悲喜劇

悲喜劇とは

悲喜劇（Tragicomedy）は、悲劇と喜劇の要素を巧みに融合させたフィクション作品のジャンルです。このジャンルは、観客に笑いと悲しみ、両方の感情を同時に体験させることを目指します。特に英文学では、シェイクスピアの時代から19世紀にかけて、ハッピーエンドで終わる重厚な戯曲を指す言葉として用いられました。

古典における悲喜劇

古典時代には、悲喜劇の明確な定義は存在しませんでした。しかし、アリストテレスは『詩学』の中で二重の結末を持つ悲劇について言及しており、これはルネサンス期の悲喜劇の概念に通じるものがあります。例えば、古代ギリシアの劇作家エウリピデスの『アルケスティス』は、悲劇的な要素を持ちながらも最終的には喜劇的な結末を迎えるため、悲喜劇の一例として挙げられることがあります。また、「悲喜劇」という言葉自体は、古代ローマの劇作家プラウトゥスが『アンフィトリオン』のプロローグで、神々を俗っぽい芝居に登場させることを弁解する際に初めて用いたとされています。

ルネサンス期の悲喜劇の隆盛

ルネサンス期に入ると、プラウトゥスの影響を受けた演劇理論が発展し、アリストテレスの厳格な演劇理論は大きく変容しました。当時、ジョルダーノ・ブルーノが「規則屋」と呼んだ人々にとっては、『狂えるオルランド』のようなロマンス作品や、『オデュッセイア』のような要素の混ざった作品は、理解しがたいものでした。

悲喜劇を独自のジャンルとして確立する上で重要な役割を果たしたのが、ジョヴァンニ・バッティスタ・ジラルディとジョヴァンニ・バッティスタ・グァリーニの二人です。ジラルディは「喜劇的な結末を持つ悲劇」こそが時代にふさわしいと主張し、自らもそのような作品を制作しました。グァリーニは、1590年に発表した『忠実な羊飼い』で論争を引き起こし、悲喜劇の概念を広めました。彼の作品は、悲劇と喜劇の中間的な物語、個性的な登場人物、牧歌的な設定という特徴を持ち、後の悲喜劇の規範となりました。

イングランドにおける悲喜劇

イングランドでは、理論よりも実践が先行しました。16世紀のイングランドでは、悲喜劇はロマンス劇の一種を指し、三一致の法則を無視した物語展開、身分の異なる登場人物の混在、奇想天外な筋書きを特徴としました。シェイクスピアの『ハムレット』にも、そうした作品を批判するポローニアスの台詞があります。しかし、これらの要素は後のシェイクスピア作品にも受け継がれ、後期作品はロマンス劇、あるいは悲喜劇と見なされることもあります。

ステュアート朝初期には、ジョン・フレッチャーがグァリーニの議論を参考に、悲喜劇の定義を新たに提示しました。フレッチャーは「悲喜劇は、登場人物が死ぬかどうか、そして本筋がどのように終結するかによって決定される」と述べ、事件に焦点を当てた定義をしました。彼の作品は、予期せぬ出来事の連続、常軌を逸した物語展開、複雑な修辞などを用いて、悲喜劇の様式を確立しました。フレッチャーの同時代人であるフィリップ・マッシンジャーやジェームズ・シャーリーも悲喜劇で成功を収めました。

悲喜劇は1642年の劇場の閉鎖まで人気を保ち、フレッチャーの作品は王政復古期にも愛されました。しかし、18世紀には古いスタイルは廃れ、ハッピーエンドで終わる悲劇は、メロドラマへと発展していきました。

その後の発展

ルネサンス以降、悲喜劇は物語よりもテーマが重視されるようになりました。ゴットホルト・エフライム・レッシングは悲喜劇を「真面目さが笑いを誘い、痛みが喜びを誘う」感情の混合と定義しました。さらに、風刺やダークコメディとの関連性が指摘されるようになり、不条理演劇への影響も重要視されています。不条理演劇作家フリードリヒ・デュレンマットは、悲喜劇を20世紀に不可欠なジャンルと位置づけました。実際、第二次世界大戦後のイギリス演劇では、サミュエル・ベケット、トム・ストッパード、ハロルド・ピンターなど、多くの作家が悲喜劇作品を制作しました。

このように、悲喜劇は時代とともに変化し、多様な表現を生み出してきました。それは、人間の複雑な感情や、矛盾に満ちた現実を捉える上で、重要な役割を果たしています。

参考文献

Foster, Verna A. The Name and Nature of Tragicomedy. London, Ashgate, 2004.

関連項目

不条理演劇
ウトラポ
コメディ・ドラマ

外部リンク

Tragicomedy from Ancient Greece to Shakespeare
Post-war British drama

もう一度検索