ラ・モンテ・ヤング
ラ・モンテ・ヤングは、1935年にアメリカ合衆国アイダホ州に生まれた現代音楽の作曲家です。キャリアの初期から、彼は一貫して「ドローン」（持続音）のみに焦点を当てるという、極めてユニークなアプローチを取りました。これは、第二次世界大戦後のアヴァンギャルド音楽、あるいは実験音楽の歴史において、彼を最も重要な作曲家の一人として位置づけています。
フルクサス運動の影響を受けた作品群と、彼の代名詞ともいえるミニマル音楽作品を通して、ヤングは常に「音楽の本質とは何か」という問いを追求しました。その探求の中で、彼はしばしば、従来の音楽では考えられないような特殊な演奏要素や指示を作品に取り入れました。フィリップ・グラス、スティーヴ・ライヒ、テリー・ライリーと並び、ミニマル音楽の「四大巨匠」の一人として広く名が知られていますが、彼の作品は必ずしも単一モチーフの反復ではなく、持続する単音やドローンそのものに重きを置いているため、ミニマリズムという枠を超え、「ドローン・ミュージックの父」として語られることも多いです。
モルモン教徒の家庭に生まれたヤングは、父親の仕事の関係で幼少期に転居を繰り返しましたが、最終的にロサンゼルスに落ち着きました。ロサンゼルス・シティー・カレッジで学び、優れたサクソフォーン奏者として頭角を現します。特にエリック・ドルフィーの学生ジャズバンドオーディションでは注目され、ドルフィーの他、オーネット・コールマン、ドン・チェリー、ビリー・ヒギンズといった著名なジャズミュージシャンのサイドマンとしても演奏しました。
その後、カリフォルニア大学ロサンゼルス校（UCLA）、さらにカリフォルニア大学バークレー校（UCB）で音楽を専攻しました。また、リチャード・マクスフィールドと共に電子音楽を学び、ダルムシュタットで開催されたカールハインツ・シュトックハウゼンの夏期講座にも参加しています。この頃からサクソフォーンの演奏からは距離を置き、作曲に専念するようになります。
彼の音楽は、アントン・ウェーベルンの影響に加え、グレゴリオ聖歌やインド古典音楽、インドネシアのガムラン音楽など、様々な異文化の音楽からも大きな影響を受けています。これらの音楽への関心、そして「音の間にある響き」を深く理解したいという願いから、1970年からはプラン・ナートのもとで学びを深めました。
初期の作品には、アルノルト・シェーンベルクの十二音技法を用いたものが散見されますが、これらは後に彼自身によって破棄されたものもあります。ダルムシュタットでの経験を通じてジョン・ケージと出会ったことは、彼の音楽における理論的探求を深めるきっかけとなりました。また、非西洋音楽への傾倒が、作品にドローンを取り入れる大きな要因となります。
フルクサス運動に関与した後、1960年に発表された「コンポジションズ 1960」は、彼の最もよく知られた初期作品群です。これらの作品は、通常の楽譜の代わりに「直線を描きそれを辿れ」「火をおこせ」「蝶を放て」といったユニークな指示が与えられ、演奏行為そのものや、演奏会場を含む環境全体を音楽要素として捉える試みでした。中には、演奏者がピアノを壁まで押し、それ以上進めなければ休憩して用を足す、といった前衛的な指示を含む作品もあります。これらの作品では、ピアノの移動音などが持続音として響くことで、結果的にドローン的な音響が生成されます。
比較的伝統的な編成による初期の作品としては、1958年の「弦楽器のための三重奏」があります。発表当時は斬新と見なされましたが、現在ではヤングの作品としては比較的穏健な位置づけです。セリー技法を用いつつも、複雑で重層的な響きが特徴で、全体的に静かでドローンに満ちた音楽です。
ヤングが純正律とドローンに基づいた作品を最初に書いたのは1962年の「高圧送電線の降圧用変電器が見る第2の夢」で、これは彼の最初の電子音楽作品でもあります。「The Four Dreams of China」のような作品では、特定の周波数比に基づく4つの音（例：24:32:35:36）のみを用い、音の組み合わせにも厳格な制限を設けています。これ以降、彼の作品は厳選された周波数で持続するドローンを基盤とし、その上に他の持続音が現れては消える構造をとるようになります。
これらの音楽的探求を実現するため、彼は「夢の家（Dream House）」という構想を立ち上げ、音楽家が24時間滞在し音楽を創造できる、光と音響の環境を整えようとしました。この構想を実現するためのグループとして「シアター・オブ・エターナル・ミュージック」を設立しました。初期には妻のマリアン・ザジーラ（光のインスタレーションを担当）、後にアンガス・マクリーズやビリー・ネームらが参加。1964年にはジョン・ケイルやトニー・コンラッドも参加し、テリー・ライリーが加わることもありました。
ヤングの作品には、しばしば非常に長いタイトルが付けられています。例として「緑色で鋸歯のオセロットと高圧線降圧交流器、製材所に照らされ、旋風と黒曜石のゴングの夢で明らかにされた聖なる数字のドローンを想起させるカメ。」のようなものがあります。同様に、作品自体の演奏時間も極めて長く、「始まりも終わりもなく、演奏が始まる前から存在し、それが終わっても存在し続ける」という時間概念を持つ作品が多いです。
彼の代表作として名高いのが、純正律で調律された独奏ピアノのための「よく調律されたピアノ」です。ヤング自身の演奏では6時間を超える長さになることもあります。これは厳密に構築された即興演奏の一例であり、数学的な作曲方法論とヒンドゥー古典音楽の演奏様式に深く影響を受けています。この作品はアメリカのミニマル音楽の中でも特に重要な位置を占めています。演奏にはベーゼンドルファーのインペリアルピアノを指定しており、これは北米で一般的なスタインウェイに対する彼のこだわりを示唆しています。
ラ・モンテ・ヤングは、自身の活動ジャンルを超えて、後続世代の音楽家たちに計り知れない影響を与えました。ヴェルヴェット・アンダーグラウンドにおけるジョン・ケイルの貢献はその顕著な例であり、他にもトニー・コンラッド、ジョン・ハッセル、リース・チャタム、マイケル・ハリソン、ヘンリー・フリント、キャサリン・クリスター・へニックス、ヨシ・ワダといった多くの音楽家が彼の影響を受けています。また、ピアノの持続音を無限に引き伸ばす電気弓を用いたランディ・ノードショウの作品なども、ヤングの持続音への探求なしには生まれ得なかったでしょう。
フルクサス運動の影響を受けた作品群と、彼の代名詞ともいえるミニマル音楽作品を通して、ヤングは常に「音楽の本質とは何か」という問いを追求しました。その探求の中で、彼はしばしば、従来の音楽では考えられないような特殊な演奏要素や指示を作品に取り入れました。フィリップ・グラス、スティーヴ・ライヒ、テリー・ライリーと並び、ミニマル音楽の「四大巨匠」の一人として広く名が知られていますが、彼の作品は必ずしも単一モチーフの反復ではなく、持続する単音やドローンそのものに重きを置いているため、ミニマリズムという枠を超え、「ドローン・ミュージックの父」として語られることも多いです。
生い立ちと学び
モルモン教徒の家庭に生まれたヤングは、父親の仕事の関係で幼少期に転居を繰り返しましたが、最終的にロサンゼルスに落ち着きました。ロサンゼルス・シティー・カレッジで学び、優れたサクソフォーン奏者として頭角を現します。特にエリック・ドルフィーの学生ジャズバンドオーディションでは注目され、ドルフィーの他、オーネット・コールマン、ドン・チェリー、ビリー・ヒギンズといった著名なジャズミュージシャンのサイドマンとしても演奏しました。
その後、カリフォルニア大学ロサンゼルス校（UCLA）、さらにカリフォルニア大学バークレー校（UCB）で音楽を専攻しました。また、リチャード・マクスフィールドと共に電子音楽を学び、ダルムシュタットで開催されたカールハインツ・シュトックハウゼンの夏期講座にも参加しています。この頃からサクソフォーンの演奏からは距離を置き、作曲に専念するようになります。
彼の音楽は、アントン・ウェーベルンの影響に加え、グレゴリオ聖歌やインド古典音楽、インドネシアのガムラン音楽など、様々な異文化の音楽からも大きな影響を受けています。これらの音楽への関心、そして「音の間にある響き」を深く理解したいという願いから、1970年からはプラン・ナートのもとで学びを深めました。
作品の特徴と展開
初期の作品には、アルノルト・シェーンベルクの十二音技法を用いたものが散見されますが、これらは後に彼自身によって破棄されたものもあります。ダルムシュタットでの経験を通じてジョン・ケージと出会ったことは、彼の音楽における理論的探求を深めるきっかけとなりました。また、非西洋音楽への傾倒が、作品にドローンを取り入れる大きな要因となります。
フルクサス運動に関与した後、1960年に発表された「コンポジションズ 1960」は、彼の最もよく知られた初期作品群です。これらの作品は、通常の楽譜の代わりに「直線を描きそれを辿れ」「火をおこせ」「蝶を放て」といったユニークな指示が与えられ、演奏行為そのものや、演奏会場を含む環境全体を音楽要素として捉える試みでした。中には、演奏者がピアノを壁まで押し、それ以上進めなければ休憩して用を足す、といった前衛的な指示を含む作品もあります。これらの作品では、ピアノの移動音などが持続音として響くことで、結果的にドローン的な音響が生成されます。
比較的伝統的な編成による初期の作品としては、1958年の「弦楽器のための三重奏」があります。発表当時は斬新と見なされましたが、現在ではヤングの作品としては比較的穏健な位置づけです。セリー技法を用いつつも、複雑で重層的な響きが特徴で、全体的に静かでドローンに満ちた音楽です。
ヤングが純正律とドローンに基づいた作品を最初に書いたのは1962年の「高圧送電線の降圧用変電器が見る第2の夢」で、これは彼の最初の電子音楽作品でもあります。「The Four Dreams of China」のような作品では、特定の周波数比に基づく4つの音（例：24:32:35:36）のみを用い、音の組み合わせにも厳格な制限を設けています。これ以降、彼の作品は厳選された周波数で持続するドローンを基盤とし、その上に他の持続音が現れては消える構造をとるようになります。
これらの音楽的探求を実現するため、彼は「夢の家（Dream House）」という構想を立ち上げ、音楽家が24時間滞在し音楽を創造できる、光と音響の環境を整えようとしました。この構想を実現するためのグループとして「シアター・オブ・エターナル・ミュージック」を設立しました。初期には妻のマリアン・ザジーラ（光のインスタレーションを担当）、後にアンガス・マクリーズやビリー・ネームらが参加。1964年にはジョン・ケイルやトニー・コンラッドも参加し、テリー・ライリーが加わることもありました。
ヤングの作品には、しばしば非常に長いタイトルが付けられています。例として「緑色で鋸歯のオセロットと高圧線降圧交流器、製材所に照らされ、旋風と黒曜石のゴングの夢で明らかにされた聖なる数字のドローンを想起させるカメ。」のようなものがあります。同様に、作品自体の演奏時間も極めて長く、「始まりも終わりもなく、演奏が始まる前から存在し、それが終わっても存在し続ける」という時間概念を持つ作品が多いです。
彼の代表作として名高いのが、純正律で調律された独奏ピアノのための「よく調律されたピアノ」です。ヤング自身の演奏では6時間を超える長さになることもあります。これは厳密に構築された即興演奏の一例であり、数学的な作曲方法論とヒンドゥー古典音楽の演奏様式に深く影響を受けています。この作品はアメリカのミニマル音楽の中でも特に重要な位置を占めています。演奏にはベーゼンドルファーのインペリアルピアノを指定しており、これは北米で一般的なスタインウェイに対する彼のこだわりを示唆しています。
影響
ラ・モンテ・ヤングは、自身の活動ジャンルを超えて、後続世代の音楽家たちに計り知れない影響を与えました。ヴェルヴェット・アンダーグラウンドにおけるジョン・ケイルの貢献はその顕著な例であり、他にもトニー・コンラッド、ジョン・ハッセル、リース・チャタム、マイケル・ハリソン、ヘンリー・フリント、キャサリン・クリスター・へニックス、ヨシ・ワダといった多くの音楽家が彼の影響を受けています。また、ピアノの持続音を無限に引き伸ばす電気弓を用いたランディ・ノードショウの作品なども、ヤングの持続音への探求なしには生まれ得なかったでしょう。
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