十二音技法

十二音技法

十二音技法（じゅうにおんぎほう、英: Twelve-tone music、独: Zwölftonmusik）は、主にアルノルト・シェーンベルクによって1921年に「五つのピアノ曲」作品23にて体系化された作曲技法です。この手法は、ドデカフォニーや音列主義とも呼ばれ、西洋音楽の枠を超えた新たな音楽言語の一つとされています。実は、無調音楽や電子音楽と同じように、当時の複数の作曲家たちが独自にこの技法を探求していました。

背景

シェーンベルクは、ワーグナーやドビュッシー、シュトラウスの影響を受けて、調性の概念を見直し、「不協和音の解放」と「新たな調性の確立」を目指しました。この思考は、1908年に披露した弦楽四重奏曲第2番から始まり、シェーンベルクとその弟子たちであるウェーベルンやベルクとともに表現されました。約12年の試行錯誤の末、彼は「相互の関係に基づく十二の音による作曲法」を理論化しました。

概要

十二音技法は、音楽の基盤であるオクターヴ内の12の音ピッチを均等に使用することを規定しています。この手法を用いて作曲された音楽は一般に「十二音音楽」として知られ、無調音楽の一形式とされていますが、実際には一種の調的統一感を持つ作品を生み出すことが可能です。この技法の原型は、1919年にヨーゼフ・マティアス・ハウアーによって考案された「トローペ」と呼ばれる音列手法にまで遡ることができます。

1920年代初頭には、ロシアの作曲家ニコライ・オブーホフがシェーンベルクよりも早くに十二音技法を使用した作品を発表しており、ウェーベルンの作品11のチェロとピアノのための三つの小品（1914年）がその原型として重要とされています。

作曲方法

シェーンベルクが提唱した作曲方法の基本は、まず12の音を1回ずつ使用した音列を作成することです。この音列は約479,001,600通り存在し、すべての音列が平等に使用されるわけではありませんが、作曲家にとっては音列そのものに工夫を加えることが求められます。この音列に基づいて作曲する際は、一次的に音を反復することは避け、和音として同時にいくつかの音を鳴らすことが許されています。音の選択については、オクターヴや異名同音の自由度が高いことも特徴の一つです。

音列の変形方法には以下のものがあります：
1. 移高 - 音列の全体の高さを変えつつ音程の関係を維持。
2. 逆行形 - 音列の始まりと終わりを逆にし、反対側から使用。
3. 反行形 - 音列を上下逆にして使用。
4. 逆反行形 - 反行形をさらに逆にする。

これらの変形を組み合わせることで、表現の多様性が得られます。

対位法との親和性

十二音技法は、対位法的な技術との親和性を持っています。カノンやフーガのような手法が埋め込まれており、エルンスト・クルシェネクはこの技法と対位法の関係を研究しました。しかし、ハウアーは対位法との関連がなくても十二音技法は成立すると強調し、新ウィーン楽派の考えと異なる方向性を示しました。

日本における影響

日本では入野義朗が十二音音楽の先駆者とされ、柴田南雄や戸田邦雄などもこの技法を用いましたが、今も日本の音楽教育では限定的に扱われています。戦後においても、多くの作曲家が個々に十二音技法を探求し、松平頼暁がその中でも重要な功績を残しています。時折、伝統的なクラシック音楽においても十二音に近いフレーズが見受けられていますが、これらは広範な文脈の中で捉えることが必要です。

まとめ

十二音技法は、20世紀音楽の重要な局面を作り出し、多くの現代音楽に影響を与えました。それでも、技法そのものが現代において広く使用されているとは言えず、むしろ音楽教育の歴史的教材としての役割が主に担われています。

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