無調

無調音楽とは

無調音楽（むちょうおんがく）、また無調性（むちょうせい）とは、特定の調性や中心音を持たない音楽のスタイルを指します。この概念は19世紀末から20世紀初頭にかけて登場し、従来の調性音楽とは異なる新しい音楽表現の方向性を示しました。

無調の特徴

無調音楽は、特定の主音や終止音、さらに従来の和声的な構造（トニカ、サブドミナント、ドミナントの体系）から解放された音楽形式です。全音階に限定されず、旋法的な音楽とも区別されます。調性がなくなることで、伝統的な和声感が薄れ、不協和音が強調されることもあります。

歴史的背景

無調音楽の発展は、西洋音楽の歴史的な調性の変化を反映しています。調性感のある音楽は15世紀頃から存在しましたが、17世紀にその理論が整備され、18世紀には多くの作曲家によって実践されました。19世紀に入ると、調性が崩壊し始め、各作曲家は異なるアプローチで調性を拡張しました。

調性の終焉

調性の崩壊を象徴する作品には、ワーグナーの『トリスタンとイゾルデ』やドビュッシーの『牧神の午後への前奏曲』などがあります。これらの作品は、調性からの逸脱を示したものの、必ずしも意図したものではなく、むしろ新しい表現の可能性を探る中で生まれました。1885年にリストが発表した『調性のないバガテル』は、調性を維持しない音楽の一例ですが、長い間忘れ去られました。

シェーンベルクと無調

20世紀初頭、シェーンベルクと新ウィーン楽派の作曲家たちは、調性を完全に放棄し、無調音楽への道を切り開きました。シェーンベルクは、彼の作品『架空庭園の書』や『月に憑かれたピエロ』で無調と歌唱法を結びつけ、作品の表現を追求しました。彼は無調を「不協和音の解放」として捉え、作品の豊かさを求めました。

十二音技法の誕生

1921年にシェーンベルクが十二音技法を確立すると、無調音楽のスタイルは体系化され、他の作曲家がこれに従うようになりました。この技法により、調性から解放された新しい音楽語法が確立されました。ベルクやウェーベルンもこの流れに乗り、後の音楽に多大な影響を与えました。特に、ヴェーベルンの音色やダイナミクスは、20世紀後半の音楽に重要な基盤を提供しました。

無調音楽の受容と挑戦

20世紀の芸術音楽では無調音楽が広く受け入れられましたが、同時に困難も伴いました。特にナチスの時代には無調音楽は弾圧され、革新を求める作曲家たちは調性に頼ることが推奨されました。このように、無調音楽は常に受難の歴史を抱えているのです。

今日の無調音楽

21世紀に入り、無調音楽は一般音楽の中ではあまり目立たない存在となっていますが、映画音楽や現代音楽の重要な要素として残っています。一方で、意欲的な作曲家によって商業音楽に取り入れられるなど、新たな表現の手段としての可能性は依然として探求されています。

作曲技法の多様性

無調音楽は一見するところ自由に見えますが、実際にはさまざまな要素を考慮しなければなりません。調性を避けるためには、オクターブや音程の続きなどに注意が必要です。作曲家にとって無調音楽は自由であるがゆえに、同時にその選択肢の広さが非常に難しい挑戦をもたらすのです。無調音楽は、調性の束縛から解放された真の音楽表現の形なのかもしれません。

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