コンバイン・ペインティング

コンバイン・ペインティング：絵画と彫刻の境界を越える革新

コンバイン・ペインティング（Combine painting）とは、芸術家ロバート・ラウシェンバーグが1954年頃から制作した一連の作品群を指します。「コンバイン」や「コンバイン作品」とも呼ばれ、絵画のキャンバスに立体物を組み合わせることで、二次元と三次元の素材を融合させた、画期的な表現方法が特徴です。

時代背景と美術市場

第二次世界大戦後、美術市場の中心はパリからニューヨークへと移行しつつありました。1950年代には、フランスのアンフォルメルとアメリカの抽象表現主義が、1960年代にはヌーヴォー・レアリスムとネオ・ダダやポップアートが対立し、それぞれの市場で影響力を競い合いました。アメリカの画商たちは、ジャクソン・ポロックなどのアメリカ人アーティストを積極的に売り込み、ヨーロッパで大きな反響を呼びました。一方、フランス側はアンフォルメルの作家をプッシュしましたが、アメリカ側の抵抗に遭うなど、両国間の対立が先鋭化しました。

こうした状況下で、画商のレオ・キャステリは、ネオ・ダダ以降のアメリカ美術の可能性に着目し、美術館のディレクター、コレクター、批評家などと連携して、組織的なプロモーションを展開しました。ラウシェンバーグの作品も、キャステリの働きかけによってヨーロッパ市場に紹介され、大きな成功を収めることになります。

作者：ロバート・ラウシェンバーグ

ロバート・ラウシェンバーグは、ブラック・マウンテン・カレッジで舞踏家のマース・カニンガム、音楽家のジョン・ケージらと出会い、ジャンルを超えた芸術表現に強い関心を持つようになりました。特にケージとカニンガムのパフォーマンスに触発され、自身の作品に演劇的な要素を取り入れるようになります。その後、ジャスパー・ジョーンズと共同で制作を行うなど、互いに刺激を与え合いながら創作活動を続けました。

しかし、ラウシェンバーグの作品は当初、アメリカ国内では、既成概念にとらわれた批評家や年長の芸術家たちから脅威と見なされ、評価が遅れました。ダダやシュルレアリスムに抵抗のあったアメリカのフォーマリズム批評の影響もあり、ラウシェンバーグの作品は、ヨーロッパで先行して評価が進みました。これは、アメリカで早くから評価されたジャスパー・ジョーンズとは対照的な現象でした。

ラウシェンバーグは、絵画や彫刻といった従来のジャンルにとらわれず、日常的な素材や既製品を取り入れた「コンバイン」作品で、独自の芸術世界を確立しました。彼の作品は、マルセル・デュシャンのレディ・メイドの概念にも通じ、芸術と日常の境界を曖昧にするものでした。

ラウシェンバーグの作品は、パリの画商イリアナ・ソナベンド、ヴェネツィア・ビエンナーレのキュレーター、アラン・ソロモン、ストックホルム近代美術館の館長、ポントゥス・フルテン、日本の美術評論家、東野芳明らによって、世界的に普及しました。

代表的な作品

初期の作品である『ベッド』（1955年）では、ベッドをキャンバスに見立て、絵の具とキルトのベッドカバーを使い、モダニズムの幾何学的表現と抽象主義表現を組み合わせました。
『コカコーラ・プラン』（1958年）は、コカコーラの瓶を素材に使い、『キャニオン』（1959年）では、ワシの剥製を作品に取り入れています。

モノグラム

コンバイン作品の初期代表作である『モノグラム』（1955年-1959年）は、キャンバスの上にアンゴラヤギの剥製を置き、古タイヤと組み合わせた作品です。キャンバスの下にはキャスターが付いており、移動させることができます。タイヤ、テニスボール、宇宙飛行士など、移動をイメージさせる素材と、足跡、靴底、水面の像など、重力をイメージさせる素材が組み合わされ、作品の中で対立する二つのイメージを同時に体験できるように構成されています。

ラウシェンバーグは長期間にわたり、『モノグラム』の習作を繰り返し、その過程をスケッチや写真で記録しています。1955年のスケッチでは、梯子とヤギが組み合わされていたり、1956年のスケッチでは、ヤギとタイヤの組み合わせやキャスターのアイデアが見られます。彼は、ヤギには庭が必要だと考え、最終的に平らなキャンバスの上にヤギを置くという形に落ち着きました。

ピルグリム

『ピルグリム』（1960年）では、キャンバスに椅子が取り付けられています。椅子はキャンバスと同じ色で塗られているため、画面から飛び出してくるように見えます。この作品は、写実性とは異なる価値を表現しようとしたもので、ラウシェンバーグの独創性が際立っています。この作品は、作家のホセ・ピエールに称賛され、『アール』誌に掲載されました。

ヴェネツィア・ビエンナーレ出品作品

ヴェネツィア・ビエンナーレに出品された『無題（白い靴の男）』（1954年-1958年頃）は、床から直立するコンバイン作品です。白いスーツの男性、鏡、新聞記事、鳥の剥製、家族の手紙や写真など、様々な素材が組み合わされており、ナルキッソス、パリスの審判、イカロスといった神話的なテーマを連想させます。ラウシェンバーグは作品にアメリカの両義的な側面を埋め込みましたが、ビエンナーレではアメリカ文化を肯定する作家として宣伝されました。

ゴールド・スタンダード

1964年に来日した際、ラウシェンバーグは草月ホールで公開制作を行い、『ゴールド・スタンダード』（1964年）を制作しました。この作品は、金屏風をベースに、東京で見つけた廃物や、質問状などを貼り付けたものです。ラウシェンバーグは、伝統的な素材と原体的な素材を組み合わせることで、「伝統と技術が同居する日本」というイメージを表現しました。

評価と来歴

ラウシェンバーグの作品は、1950年代のイタリアでの展示や、1961年のパリでの初個展をきっかけに、ヨーロッパで人気を博しました。1962年のストックホルムでの「4人のアメリカ人」展では、『モノグラム』が大きな反響を呼びました。賛否両論を巻き起こしながらも、その斬新な表現は、若い芸術家たちに大きな影響を与えました。

1963年には、ユダヤ美術館で初の美術館個展が開催され、『モノグラム』や『キャニオン』が大きな話題となりました。同年、ヴェネツィア・ビエンナーレでラウシェンバーグがグランプリを受賞したことは、美術市場の中心がアメリカに移りつつあることを象徴する出来事でした。

しかし、1960年代後半には、アメリカ美術の急速な流行に危機感を抱くヨーロッパの美術関係者や、アメリカ政府とスウェーデン政府の対立が、美術界にも影響を与えました。1973年のストックホルム近代美術館での展覧会では、ラウシェンバーグの『モノグラム』がアメリカ美術の象徴として批判されました。

その後、ラウシェンバーグ作品は再評価され、『モノグラム』はストックホルム近代美術館の名物となりました。地元市民には「geten」や「en get」という愛称で親しまれています。

ラウシェンバーグの作品は、絵画と彫刻の境界を曖昧にし、既製品や日常的な素材を積極的に取り入れることで、現代美術に大きな影響を与えました。彼の革新的な表現は、ポップアートやネオダダの先駆けとなり、今日のコンテンポラリーアートへと繋がっています。

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