2つのヴァイオリンと管弦楽のための二重協奏曲 (ホルスト)

2つのヴァイオリンと管弦楽のための二重協奏曲 H.175 作品49

グスターヴ・ホルストが1929年に完成させた「2つのヴァイオリンと管弦楽のための二重協奏曲 作品49」は、2丁のヴァイオリン独奏と管弦楽のために書かれた作品です。後期ホルストの書法を特徴づける、フーガのような対位法、民俗音楽の雰囲気を帯びた旋律、そして不協和音を排した複調などが巧みに用いられています。初演時には賛否両論を巻き起こし、長年にわたり演奏される機会は限られていましたが、今日ではホルストの重要な作品の一つとして見直されています。

作曲の経緯

本作の着想は、作曲の2年前に遡ります。1927年9月21日、ホルストはロンドンのクイーンズ・ホールで、アディラ・ファキーリとイェリー・ダラーニ姉妹によるバッハの2つのヴァイオリンのための協奏曲の演奏を聴きました。普段、独奏楽器のための協奏曲を作曲することにはあまり興味を示さなかったホルストですが、この演奏に触発され、自身も2丁のヴァイオリンのための協奏曲を手掛けたいと考えるようになります。他の作曲依頼があったため、実際に作曲に着手できたのは1929年8月のことでした。精力的に筆を進め、同年9月には最初のスケッチを書き上げます。さらに10月には、献呈相手として想定していたファキーリとダラーニに草稿を渡して専門的な意見を求め、1930年初頭には彼女たちとともにスタジオで試演を行うなど、ソリストとの密接な協力のもとに作品を練り上げていきました。

初演

作品の初演は、完成から間もない1930年4月3日に行われました。会場は着想の地と同じクイーンズ・ホールです。演奏は、この作品を献呈されたヴァイオリニスト、アディラ・ファキーリとイェリー・ダラーニが独奏を務め、オスカー・フリートが指揮するロイヤル・フィルハーモニー管弦楽団によって行われました。独奏者の技量は楽曲の要求を十分に満たしていましたが、指揮者フリートの解釈は評価が分かれました。当時のメディアには、彼が「ロンドンの主要オーケストラの演奏会において、長らく最も聴き苦しい指揮者のひとり」と評された記録も残っています。奇しくもこの頃、ホルストはロイヤル・フィルハーモニック協会から、非常に名誉ある金メダルを授与されています。後の1974年には、ホルストの生誕100周年を記念するロイヤル・フィルハーモニック協会のコンサートで、彼の代表作『惑星』、『イエス賛歌』とともに本作が演奏され、改めてその存在感が示されました。

楽器編成

この協奏曲は以下の編成のために書かれています。

ヴァイオリン独奏 2
フルート 2
オーボエ 2
クラリネット 2（B♭管）
ファゴット 2
ホルン 2（F管）
トランペット 2（C管）
ティンパニ
弦五部

楽曲構成

作品は3つの楽章から成り立っており、それぞれの楽章は切れ目なく連続して演奏されます。

第1楽章「スケルツォ」：低音弦（チェロとコントラバス）による執拗なオスティナートのリズムで開始します。この上にクラリネット、ファゴット、ヴィオラが第1主題を提示します。その後、第1ソリスト、第2ソリスト、そしてヴィオラとチェロが順に加わり、フーガが展開されます。こうした対位法的なテクスチュアは、やがて2人のソリストによる複調的なパッセージへと発展し、冒頭の第1主題の再現へと導かれます。楽章の終わり近くでは、第2ソリストが先に第1ソリストが奏でていた主題の要素を回想し、それに応えるように第1ソリストが複調のパッセージから第2ソリストの主題を再現するという凝った書法が用いられています。

第2楽章：主に複調を用いた哀歌となっています。楽章冒頭、独奏ヴァイオリンは伴奏を伴わずに、まるでショスタコーヴィチを予感させるかのような、5/4拍子の物憂げな主題を奏でます。弦楽器に弱音器を付けた管弦楽が慰めるように静かに加わりますが、全体を通じて陰鬱な雰囲気は保たれます。この楽章には、ホルストが以前に作曲していたフルート、オーボエ、ヴィオラのための三重奏曲から採られた長いパッセージが転用されています。

第3楽章「グノーの主題による変奏曲」：この楽章は「グノーの主題による変奏曲」と題されていますが、実際にはホルスト自身が創作した、どこかぎこちない印象を与える主題に基づいています。まず第1ソリストがこの主題を提示し、次に第2ソリストへと引き継がれます。主題はピッツィカートへと姿を変え、これに対して第1ソリストが伴奏を担当します。やがて両ソリストの役割が入れ替わり、第2ソリストがピッツィカートの第1ソリストを伴奏するという形になります。このように素早く変化していくパッセージの中では、5/4拍子や7/4拍子といった変拍子の中にクロス・リズムや複調が多用され、独特の効果を生み出しています。

評価

本作が初演された当初、批評家たちの意見は大きく二分されました。ある者はこの作品を「非常に高度に知的化された」と評する一方、「完全に擦り切れている」とまで酷評する声もありました。しかし、『デイリー・テレグラフ』紙はより好意的で、「すっかり満足のいく作品であり、初聴の段階から形式と素材の緊密な関係性が明確に理解できる」と述べ、特に第2楽章の旋律については、「わずかに冷淡な面はあるものの、稀有な美しさを湛えた瞬間がある」と記しました。ホルストの友人たちからの反応は概ね肯定的でした。作曲家レイフ・ヴォーン・ウィリアムズはホルストに「哀歌（第2楽章）とグノー（第3楽章）は素晴らしい」と伝え、R・O・モリスは複調の技法に言及して「2つの調性が一つに聞こえるようにできた。これ以上にどうすべきだろうか？凡庸な作曲家は複数の調性をそれぞれバラバラに響かせるだけだ」と称賛しています。

一方で、ホルストに『惑星』のような大規模で親しみやすい作風を期待していた多くの聴衆は、この巧妙ではあるがどこか超然とした雰囲気を持つ作品に戸惑いを隠せませんでした。そのため、本作は長年にわたりコンサートで演奏される機会が少ない状態が続きました。その理由としては、ソリストに技巧を誇示する場面が比較的少ないことや、約14分という演奏時間の短さがプログラムに組み込みにくかったことなどが推測されます。

しかし、時代が下るにつれて本作への再評価が進みます。ある評論家は「完全に満足できる作品とは言えない。緩やかな部分が多く、両端楽章も度重なる速度変化によって勢いが削がれている」といった批判的な意見を述べつつも、別の評論家は「印象的であり（中略）ホルスト後期の切り詰めた様式の優れた例」と評価したり、「リズミカルで色彩豊かなオーケストレーションが施された見事な作品」と称賛したりしました。「芸術を隠す芸術だ。『惑星』の作曲家がこのような繊細な作品も書けるという事実は特筆に値する」という声もあり、ホルスト研究者であるポール・シューメイカーは「ホルストの全作品の中でもまさに私のお気に入りの一つ。この作品がなぜこれほどまでに頻繁に演奏されないのか驚きである」と述べています。

このように、本作は初期の賛否両論を経て、現在ではホルストの晩年における独自の探求を示す興味深い作品として、多様な視点から評価されるに至っています。

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