オルガンと管弦楽のための交響曲 (コープランド)

オルガンと管弦楽のための交響曲

オルガンと管弦楽のための交響曲（英語: Symphony for Organ and Orchestra）は、アメリカの作曲家アーロン・コープランド（Aaron Copland, 1900-1990）が1924年に完成させた作品です。

この交響曲は、若きコープランドにとっていくつかの「初めて」が詰まった記念碑的な作品となりました。具体的には、彼が初めて完成させた管弦楽作品であり、オルガンを編成に含む初めての作品であること、そして自身がオーケストレーションを手がけた音楽を初めて実際に耳にする機会となった作品です。これらの点から、本作は作曲家がそのキャリアを築き上げる上で重要な位置を占め、彼の代表作の一つとして数えられています。

初演は作曲の翌年、1925年1月11日にニューヨークで行われました。オルガン独奏は、コープランドがパリで作曲を師事した高名な音楽教師ナディア・ブーランジェが務め、ニューヨーク交響楽団をウォルター・ダムロッシュが指揮しました。この演奏会は、ブーランジェにとって初めてのアメリカでの公式デビューでもありました。その後、セルゲイ・クーセヴィツキー指揮のボストン交響楽団による再演も行われています。

コープランドは1921年から1924年にかけて、ブーランジェに学ぶためにパリに滞在していました。パリの楽壇で「才能ある若手アメリカ人作曲家」として注目を集め始めていた彼は、恩師ブーランジェがアメリカの若手作曲家に対し深い信頼を寄せていたことに大きな感謝を感じていました。この信頼に応えるべく、ブーランジェはコープランドにオルガンと管弦楽のための大規模な作品の作曲機会を与えました。クーセヴィツキーも関心を寄せ、プロコフィエフやブーランジェとの集まりの席で、クーセヴィツキーが「君がオルガン協奏曲を書き、ブーランジェ氏が弾いて、私が指揮をするのだ」と語ったとされています。自身がオーケストレーションの経験を持たなかったことから、コープランドはこの大作を手がけることに不安を感じましたが、ブーランジェは彼の才能と技術を信じ、作曲へと強く後押ししたのでした。

初演はマンハッタンのエオリアン・ホールで行われました。ボストンでの再演も同じ年に行われています。本作は後に、オルガンパートを金管楽器などに置き換え、さらにサクソフォーンを加える形で改訂され、「交響曲第1番」として生まれ変わりました。このオルガンなしの改訂版は1931年にエルネスト・アンセルメ指揮、ベルリン交響楽団によって初演されています。

楽器編成

オルガンと管弦楽のための交響曲（オリジナル版）の楽器編成は以下の通りです。

ピッコロ1
フルート2
オーボエ2
コーラングレ1
クラリネット2（B♭）
バスクラリネット1（B♭）
ファゴット2
コントラファゴット1
ホルン4
トランペット3（C）
トロンボーン3
チューバ1
ティンパニ
打楽器
ハープ2
チェレスタ1
弦五部
オルガン

交響曲第1番（オルガンなし改訂版）では、オルガンを除き、編成が一部変更・増強されています。

ピッコロ1
フルート2
オーボエ2
コーラングレ1
クラリネット2（B♭）
バスクラリネット1（B♭）
ファゴット2
コントラファゴット1
アルト・サクソフォーン1（E♭）
ホルン8
トランペット5
トロンボーン3
チューバ1
ティンパニ
打楽器
ピアノ1
ハープ2
弦楽合奏

改訂版では、オルガンの役割が金管楽器群に引き継がれるとともに、アルト・サクソフォーンやピアノが新たに追加され、ホルンとトランペットの数が増やされているのが特徴です。

楽曲構成

本作は3つの楽章で構成されています。第1楽章は瞑想的な前奏曲、第2楽章は精力的なスケルツォに「ブルース調」のトリオを持つもの、そして第3楽章は中庸のテンポで嘆きから厳しさへと表情を変えるフィナーレです。交響曲としては珍しく、各楽章の演奏時間が開始から終わりに向かって順に長くなっていく構造を持っています。アメリカ音楽史研究家のハワード・ポラックはこの作品を協奏曲に近い性格を持つと述べ、楽章が長くなるにつれて特に終楽章に間延びした箇所がある可能性を指摘しつつも、「この音楽の持つ活力、華麗さ、そして個性はそのような欠点を補ってあまりある」と高く評価しています。

作品全体を通じて、コープランドは短三和音に基づいた3音からなる特徴的なモチーフを用いています。このモチーフは、当初弱音器を付けたトランペットによって小さく提示されますが、全ての楽章に繰り返し現れ、終盤では強烈な響きで全曲を統一し、締めくくりに大きな重みを与えています。

第1楽章：前奏曲
瞑想的な性格を持つ楽章です。冒頭の4小節で提示される、嬰ト音から始まる八音音階（G♯-A-B-C-D-D♯-F-F♯-G♯）が楽章全体の主要な音響素材となっています。この八音音階の使用は、楽章全体、特に三全音を用いた調性中心の変更を含む三部形式構造に統一感をもたらしています。

第2楽章：スケルツォ
極めてエネルギッシュな楽章です。楽章の約8割を占める特徴的なポリリズムのオスティナートが、楽章に途切れることのない運動感を与え、主要な主題もこのリズムから派生しています。中間部のトリオでは「ブルース調」のリズムが現れますが、コープランド自身は、自身のブルックリンでの生い立ちがこの部分に影響を与えたと述べています。

* 第3楽章：フィナーレ
中庸のテンポで書かれ、時に嘆き、時に厳しさを湛える楽章です。自由なソナタ形式で構成されていますが、元々は交響曲の開始楽章として構想されていた可能性も指摘されています。ヴィオラによって提示される短三和音に基づく第1主題、低音のオスティナートの上で弦楽器群が奏する第2主題が登場します。展開部はオルガンの独奏で始まり、ヴァイオリン独奏による「陽気な」主題が挿入されます。短い再現部ではこれらの主要要素が組み合わされます。ポラックはこの楽章について、経験豊富な聴衆でもソナタ形式を明確に把握することは難しいとし、その「開放的なユニゾンの主題、対位法的な提示の仕方、繰り返される低音の動き、明確な主題の対比の欠如、そしておそらく何よりも調性的な停滞」といった特徴から、パッサカリアに喩えています。

その後

この交響曲は、コープランドを重要な現代作曲家としての地位へと押し上げるきっかけとなりました。音楽学者のゲイル・マーチソンは、この作品に見られる八音音階や全音音階、ポリリズムのオスティナート、不協和な対位法といった技法の使用が、彼が1920年代における近代的な和声、リズム、旋律の語法を完全に習得したことの証であると指摘しています。

作品からは、神経質で激しいリズムや和声語法の一部に、コープランドが敬愛したストラヴィンスキーの影響が見て取れます。一方で、第2楽章に見られるブルース調のリズムや、全体に意識的に取り入れられたジャズの要素は、コープランドが生まれ育ったアメリカ文化、特にジャズからのインスピレーションを示すものです。コープランド自身は、この後約10年間にわたり、真に「アメリカ的」な音楽語法を確立するためにジャズからの着想を積極的に模索することになります。

本作の初演を通じて深まったクーセヴィツキーとの関係はその後も継続し、クーセヴィツキーはボストン交響楽団を率いて、この交響曲を含むコープランドの管弦楽作品計12曲を指揮することになり、その中には複数の委嘱作品や世界初演も含まれていました。

ニューヨーク初演に立ち会った聴衆は、当時のクラシック音楽の慣習から大きく逸脱したこの作品に当惑しました。前述のダムロッシュの発言は、この困惑を示すエピソードとして知られています。コープランド自身は、この発言が「保守的な日曜午後のご婦人方が、現代音楽に直面して逆立った羽根を撫でつけ」ようとするユーモアだったと述べています。同時代の評論家の中には、ジャズの影響が強すぎ、あまりに現代的であるとして作品を否定的に評価する向きもありましたが、一方では、この進歩的なスタイルを歓迎し、熱狂的に受け入れる指揮者や聴衆も存在しました。

コープランド自身は、後にこの作品を「ヨーロッパ風」に過ぎると感じ、以降の作品ではより意識的にアメリカ的な表現を追求するようになります。しかし最終的には、本作こそが自身の最も自然な音楽語法を反映したものであると認めるようになったとされています。

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